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16 janvier 2013 3 16 /01 /janvier /2013 21:01

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En ces temps où tout devient accessible en trois clics grâce à Internet, on en oublie ce que c’est de courir après un film, un livre ou un album devenu introuvable et de mettre enfin la main dessus. Voilà quatorze ans que j’attendais l’occasion de revoir Rosie, premier film de la cinéaste belge Patrice Toye, sorti en catimini en France en 1999 et qui n’était jusqu’à récemment jamais paru en DVD. Rosie m’avait, sur le moment, laissé une impression un peu mitigée, mais j’y ai très souvent repensé depuis. Le fait d’avoir énormément écouté sa sublime bande-son signée John Parish, raison même pour laquelle je m’étais intéressée au film au départ, a certainement joué.

 

Le film s’ouvre dans une maison de redressement où Rosie vient d’être admise, pour des raisons qui seront dévoilées tout à la fin. Elle décline son identité devant la caméra. Rosita Cecilia Maria, 13 ans, pas de parents, une sœur, Irene, un frère, Michel. Sauf qu’en réalité, Irene n’est pas la sœur mais la mère de Rosie. Elle l’a eue très jeune, à moins de quatorze ans, soit l’âge qu’a Rosie elle-même quand commence le film. Rosie souffre de ne pas pouvoir appeler Irene « maman » devant les autres et sent confusément que sa présence complique la vie de sa mère. Quand Michel, le frère d’Irene, se retrouve sans argent et vient habiter chez elles, alors même qu’Irene démarre une nouvelle relation amoureuse, Rosie passe de plus en plus de temps à faire les quatre cents coups avec son nouvel ami Jimi, loin du regard des adultes. Entre les non-dits des uns, les maladresses des autres et la naïveté d’une gamine qui interprète le monde à sa façon, tous les éléments sont réunis pour mener au drame.

 

À chacune des deux visions, j’ai ressenti le même mélange d’émotion et d’agacement passager. Le film n’est pas parfait, certaines scènes sont un peu forcées, certains dialogues ont du mal à convaincre. Et surtout, l’évolution des relations des personnages n’est pas toujours amenée de manière très cohérente (la haine progressive de Rosie vis-à-vis de Michel, par exemple, sonne un peu faux). Et pourtant, voilà quatorze ans que l’image de cette gamine livrée à elle-même, avec sa bouille rêveuse, ses barrettes et sa fausse fourrure, me poursuit. Je crois que plus que l’intrigue, c’est la façon qu’a Patrice Toye de filmer Rosie qui me touche, la lumière onirique qui baigne les scènes où elle vit sa vie loin des adultes, et qui contraste avec la banalité un peu sordide de l’appartement qui est son quotidien. Soulignées par la musique de John Parish, en particulier le thème rattaché à Rosie, ces images-là sont de toute beauté.

 

À la deuxième vision, une fois qu’on sait vers quoi tend l’intrigue, on est tout de même frappé par tout ce qui se dit en filigrane. La façon dont les circonstances vont pousser Rosie, par naïveté, à commettre une erreur irréparable ; les circonstances de sa naissance, qui nous sont dévoilées par petites touches et renforcent le tragique de l’ensemble ; la façon dont elle-même se rêve mère et femme à l’âge exact où la vie de sa mère a basculé (voir la scène où, avec une terrifiante insouciance, Rosie kidnappe un bébé pour jouer à la maman). Et puis il y a le personnage central de Jimi, vu par les yeux d’une gamine qui rêve au prince charmant, et dont le rôle exact ne se dévoile que sur la fin. Les scènes qui tournent autour de lui sont peut-être les plus belles, les plus spontanées, et finalement les plus tristes de l'ensemble.

 

Non, Rosie n’est pas un film parfait. Mais il en est curieusement venu, ces quatorze dernières années, à faire partie de ma mythologie personnelle.

 

 


 

 

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7 juillet 2012 6 07 /07 /juillet /2012 00:45

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Au sujet de ce film, le dernier Mad Movies disait : « (….) preuve une fois encore qu’un récit d’épouvante ne peut fonctionner s’il n’est pas aussi un (mélo)drame. » Phrase qui a achevé de me convaincre de regarder ce film qui m’intriguait déjà beaucoup. C’est depuis toujours mon credo en matière de fantastique, et la raison pour laquelle tant de films du genre m’exaspèrent ou me déçoivent. Voir Livide, autre sortie récente en DVD, qui retrouvait les défauts que je reproche trop souvent aux films fantastiques français (voir Saint-Ange ou le Silent Hill de Christophe Gans) : esthétisant mais désespérément creux, avec une absence de logique interne qui m’empêche d’adhérer.

 

Plutôt que de logique, je devrais peut-être parler d’échos. Don’t be afraid of the dark en est une illustration habile. Dès les premières scènes, la situation est posée. D’un côté, une immense bâtisse ancienne hantée par un drame du passé. De l’autre, une petite fille ballottée entre des parents divorcés qui s’en contrefichent. La rencontre des deux ne peut qu’ouvrir une brèche sur le surnaturel et sur un drame potentiel. Ce qui est terrifiant ici, ce ne sont pas ces minuscules créatures qui hantent le sous-sol de la maison. C’est la démission des parents de Sally, l’indifférence d’adultes qui ne cherchent ni à la comprendre, ni à l’écouter. Dès le départ, elle est doublement seule face à l’indicible. « Ma mère m’a donnée à mon père », dit-elle à sa belle-mère avec une effrayante lucidité. Toute la force du film est là : dans ces échos, précisément. Développer une mythologie interne avec ses règles propres est une chose ; mais elle ne fonctionnera que si des liens se créent avec le réel, avec les personnages. L’échec de Livide, comme de tant d’autres films fantastiques, était là pour moi.

 

Le film est classique dans son intrigue et dans son ambiance comme dans sa progression. Il ne prétend pas révolutionner le genre, simplement proposer une variation habile sur des thèmes connus. C’est sa densité émotionnelle qui offre ce « petit truc en plus » qui le distingue. La terrifiante solitude de la petite Sally (interprétée par l’épatante Bailee Madison), mais aussi la relation qui se noue peu à peu avec sa nouvelle belle-mère (incarnée par Katie Holmes), la seule qui cherche à établir un dialogue et la considère comme autre chose qu’un bibelot un peu encombrant. Visuellement, le film offre de jolies trouvailles, notamment dans sa façon d’adopter le regard d’une petite fille qui mène une existence nettement distincte de celle des adultes : leurs routes se frôlent la plupart du temps sans se croiser (voir la scène de la réception, vers la fin, où la dichotomie saute aux yeux, chacun des personnages étant alors enfermé dans sa propre histoire). On regrettera peut-être quelques plans trop rapprochés sur les créatures qui fascinaient beaucoup plus quand elles n’étaient que des ombres furtives dans les recoins. Mais tout le fantastique que j’aime est là. Dommage que le film de Troy Nixey soit sorti directement en DVD. Plus que La Dame en noir, autre film classique mais raté aux trois quarts, c’est Don’t be afraid of the dark que j’aurais aimé voir sur grand écran.

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31 octobre 2011 1 31 /10 /octobre /2011 23:19

 

 

 

La tarte à la citrouille fut finalement dégustée devant Les Autres. À la troisième vision, je suis toujours aussi impressionnée par la virtuosité du film d’Alejandro Amenábar. C’est peut-être le plus beau film fantastique que j’aie vu ces dix dernières années. C’est en tout cas l’un des plus denses, et l’un de ceux qui osent aller au bout de cette règle d’or du genre, à mes yeux, qu’est la nécessité d’une logique interne forte.

 

L’histoire des Autres est classique. Dans l’Angleterre de la Seconde Guerre mondiale, Grace vit seule dans un manoir isolé avec ses enfants Anne et Nicholas. Les deux enfants sont atteints d’une maladie qui leur interdit d’être exposés à la lumière ; les rideaux du manoir sont constamment tirés. Trois serviteurs en quête de travail frappent à la porte de Grace. Ils semblent attendre quelque chose. Pendant ce temps, la petite Anne affirme avoir parlé à un autre enfant, Victor, qui habiterait les lieux mais que personne ne voit jamais.

 

C’est la première des deux histoires que raconte Les Autres. L’autre ne se dévoile qu’à partir de la deuxième vision. On pourrait croire qu’il s’agit d’un de ces films qui se reposent entièrement sur une révélation finale et ne prennent pas la peine d’offrir autre chose au spectateur. Or, c’est tout le contraire. J’irai jusqu’à dire que Les Autres ne commence réellement qu’avec le générique de fin. À partir de là, la vision du film ne sera plus jamais la même. Le point de vue adopté change légèrement ; les scènes se chargent de non-dits, les dialogues prennent un double sens qui nous avait échappé jusque là. Je connais peu de films fantastiques qui soient d’une telle finesse dans l’attention portée à ces détails : toute l’histoire se déroule, presque littéralement, entre les lignes. C’est l’histoire d’une maison qui est peut-être hantée, ou peut-être pas. Mais c’est aussi un conte sur le déni et l’acceptation, le secret et la vérité, l’oubli et la mémoire. Dualité symbolisée par le jeu d’ombres et de lumières induit par la maladie des enfants, et tous ces rideaux que l’on ouvre et ferme constamment : on peut vivre caché dans l’ombre ou laisser entrer la lumière, il n’appartient qu’à soi d’en décider.

 

Au cœur de tous ces enjeux, un personnage me touche particulièrement, celui de la petite Anne tiraillée entre deux vérités, deux visions du monde. Tous les personnages sont d’une richesse et d’une complexité remarquables, mais Anne l’est d’autant plus par la position centrale qu’elle occupe : elle est toujours à deux doigts de percer le mystère que sa mère s’obstine à nier, mais elle n'a pas les mots pour le dire. La petite Alakina Mann, qui ne devait pas avoir plus de dix ans à l’époque du tournage, l’incarne avec un aplomb et une finesse impressionnantes. Et puis il y a la Grace de Nicole Kidman, agaçante et poignante à la fois, braquée sur ses principes et refusant d’entendre une vérité qui risque d’ébranler sa vision du monde.

 

Les Autres est sorti il y a tout juste dix ans. On dispose désormais d’assez de recul pour pouvoir affirmer qu’il s’agit d’un authentique chef-d’œuvre du cinéma fantastique.

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16 août 2011 2 16 /08 /août /2011 02:15

 

 

 

Soyons clairs, s’il y a un thème qui ne me parle pas en règle générale, c’est bien celui de la fin du monde. Sans doute parce qu’il est souvent associé à un type de film catastrophe dont je ne suis pas très cliente. Mais la fin du monde en huis clos filmée par Lars Von Trier sous un titre énigmatique, c’était assez intriguant pour tenter le coup. D’autant que la bande-annonce, toute imprégnée d’une espèce de vague angoisse lancinante, m’avait fait pas mal d’effet. En sortant de la projection, je ne savais pas dans quelle mesure le film avait répondu à mes attentes, mais le moins qu’on puisse dire est qu’il m’a réconciliée avec Lars Von Trier – après avoir adoré Breaking the waves et la série The Kingdom, j’avais jeté l’éponge après la double déception de Dancer in the dark et des Idiots.

 

Drôle de film que ce Melancholia. Par sa construction, d’abord, qui juxtapose deux parties extrêmement différentes et reliées très lâchement entre elles. Dans la première, Claire (Charlotte Gainsbourg) organise le luxueux mariage de sa sœur Justine (Kirsten Dunst). Tout est calculé à la perfection, mais tout se délite peu à peu. Les mariés arrivent en retard, les rancunes familiales ressurgissent lors des discours et Justine, dépressive, commence à perdre pied, incapable de continuer à sourire et à mentir aux convives. Dans la deuxième partie, Claire et son mari John (Kiefer Sutherland) accueillent Justine qui a sombré pour de bon dans la dépression. Claire est angoissée : une planète baptisée Melancholia approche de la Terre et risque d’entrer en collision avec elle dans quelques jours à peine.

 

Peut-être qu’une partie de la fascination qu’exerce le film tient à ses ellipses frustrantes. On regrette à plusieurs reprises que certains thèmes ne soient pas exploités davantage, avant de comprendre qu’ils le sont peut-être finalement en creux. Comme par exemple le lien évasif entre ces deux parties, entre les deux thèmes du film : la dépression et la fin du monde. Deux moments où l’on cesse de jouer une comédie à la mécanique trop bien huilée, soudain devenue absurde. D’un côté, les convives du mariage qui souhaitent à Justine d’être heureuse, qui disent la trouver radieuse alors qu’elle ne l’est manifestement pas ; de l’autre, les apparences auxquelles Claire, en bonne mère de famille pragmatique, s’accroche jusque au bout… Autant de liens qu’on établit après coup, alors que leur absence nous avait un peu déçu sur le moment.

 

De la même manière, on est déstabilisé de voir le film adopter le point de vue de Claire dans la deuxième partie, alors que la première semblait poser Justine comme personnage central. Elle semblait pourtant tout indiquée pour nous faire vivre de l’intérieur la fin du monde : ce n’est pas un hasard si la planète Melancholia porte le nom du mal qui l’afflige. Il semble presque exister un lien ténu unissant Justine et cette planète. Mais l’inversion progressive des rôles rend finalement le film plus poignant. Claire voit son monde si solide vaciller à l’approche de la planète, alors que Justine qui semblait si fragile, incapable de fonctionner dans la société ordinaire des hommes, se révèle d’un calme impressionnant : elle est finalement la seule capable de regarder la mort en face.

 

Deux aspects m’ont particulièrement frappée par leur justesse, chacun associé à l’une des deux sœurs. Le premier, le plus inattendu peut-être, c’est la mise en scène de la dépression. Je parlais ici récemment de la difficulté à parler de dépression tant l’expérience est propre à chacun et impossible à partager. Mais il se passe ici quelque chose d’assez fort dans les séquences du mariage. Tout passe par de petits détails : les absences répétées de Justine, les regards lointains de Kirsten Dunst, l’éloignement progressif au sens propre comme au figuré. Je crois que tous ceux qui ont connu un jour un état dépressif reconnaîtront là quelque chose de très vrai. Le cinéaste et son actrice parviennent à montrer avec une grande subtilité la muraille qui sépare le dépressif de ceux qui l’entourent. Il faudrait être heureux, interagir avec les autres, être là tout simplement, mais les sourires sonnent faux et les silences ou les larmes prennent progressivement le dessus. Le film réussit à toucher du doigt cet état particulier ainsi qu’à montrer les tensions qu’il peut provoquer dans les interactions humaines.

 

L’autre aspect, plus attendu compte tenu du sujet, c’est la trouille absolue face à l’imminence de la fin. Cette émotion-là, c’est Charlotte Gainsbourg qui l’incarne et lui donne corps, jusqu'à la transmettre au spectateur. Comment se préparer, comment se résigner à l’impuissance, et tout simplement, comment attendre la fin quand on sait qu’elle est si proche, à cinq ou dix minutes de là ? La toute dernière partie du film est particulièrement éprouvante à cet égard. Je le disais plus haut, je n’aime pas les fins du monde, mais celle-ci est terrible – et d’autant plus terrifiante que la cause de cette fin est visible à l’œil nu en plein ciel. Melancholia n’est peut-être pas un chef-d’œuvre, mais c’est un film qui commence par vous décevoir légèrement et finit par vous secouer vraiment. Et qui appelle à une deuxième vision pour traquer à nouveau les liens indéfinissables qui en unissent les thèmes et les personnages.

 

  

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9 mai 2011 1 09 /05 /mai /2011 23:05

 

 

 

Je ne sais plus à quand remonte ma dernière incursion au cinéma, mais je me rappelle qu’une bande-annonce m’avait marquée. Une famille s’installe dans un nouveau quartier ; l’un des enfants fait connaissance avec ses voisins et se présente sous le nom de Michaël. Mais dans l’extrait suivant, on entend sa mère l’appeler Laure. Jusque là, on n’a pas mis en doute un seul instant le fait que « Michaël » soit un petit garçon. Tout le film est déjà là, dans cet enchaînement de quelques secondes. Tomboy de Céline Sciamma est un film un peu longuet dans sa première partie, qui installe les personnages à travers une suite de scènes de vie ordinaire. Les rapports entre les enfants, la complicité qui unit Laure à sa petite sœur Jeanne, les jeux de la bande de gamins sonnent juste tout du long. Ils ont un langage à eux, une logique particulière, qui ne sont pas ceux des adultes, ce que le film montre très bien.

 

Mais ces scènes ordinaires ne le sont pas tant que ça, et c’est là que Tomboy est troublant. On vit toute cette histoire du point de vue de Laure/Michaël, dont le mensonge peut être découvert à chaque instant. Les garçons acceptent sans trop de mal ce nouveau copain de jeux, et Lisa, la seule fille de son âge, s’attache très vite à ce garçon qu’elle trouve « pas comme les autres ». Plus le mensonge s’éternise, plus on sait que la chute sera rude – les vingt dernières minutes, d’une cruauté dépouillée, sont extrêmement poignantes. Elles le sont d’autant plus qu’on accepte finalement dès le départ l’existence de Michaël comme son identité véritable. C’est Laure qui ressemble à un masque. Zoé Héran, qui incarne le personnage, est stupéfiante. On ne sait jamais trop si l’on voit à l’écran une petite fille habillée en garçon, ou un petit garçon aux traits un peu féminins.

 

Le film ne plaira certainement pas à tout le monde, ne serait-ce que par ce parti pris de s’attarder sur le quotidien dans la première partie sans développer d'intrigue autre que ce qui découle de ce jeu de masques. Mais il y a dans la plupart des scènes une très belle façon de filmer les êtres de près, de s’attarder sur les corps et les visages. Et le personnage de Laure/Michaël est poignant dans sa quête d’identité. Au point qu’il continue d’exister, et de nous hanter, après la fin du film.

 

 

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5 mars 2009 4 05 /03 /mars /2009 02:58
Je ne peux même pas vous dire à quel point je suis soulagée par l'adaptation des Watchmen. Je ne sais pas comment le film sera reçu par les non-lecteurs de la BD, mais en tant que fan, à quelques réserves près, c'est un régal. Je sais que j'ai la larme facile au cinéma, mais j'étais carrément en larmes pendant toute la scène de l'accident qui crée le Dr Manhattan, tellement c'était exactement ça. Jusqu'à l'image de ce « système nerveux sur pattes » qui traverse le laboratoire et qui m'avait pas mal marquée à la lecture. Ben oui, les Watchmen, c'est sacré. J'espérais que le film serait réussi mais je ne m'attendais pas à une telle bouffée d'émotion en le voyant. Dommage que ça se casse un peu la gueule sur la fin.

Pour la peine, je fais un copier/coller du compte-rendu que je viens de rédiger pour le Cargo, en espérant qu'il tienne la route, vu qu'il est écrit à chaud à 2h du mat. Détail que j'ai oublié de préciser : j'ai trouvé les choix musicaux (Bob Dylan, Leonard Cohen, Simon & Garfunkel) assez pertinents par rapport au sens qu'ils prenaient dans le contexte de certaines scènes. 

Le compte-rendu, donc :

 

On l’espérait sans trop y croire, et pourtant : Zach Snyder se tire haut la main de l’adaptation la plus casse-gueule, la plus attendue et la plus redoutée de ces dernières années, celle de ce monument de la BD que sont les Watchmen d’Alan Moore et Dave Gibbons. Un comics réputé inadaptable de par son ampleur et sa complexité. Une de ces œuvres qui laissent leur empreinte sur le genre et marquent durablement le lecteur.

 

 

Si l’intrigue délaisse certains développements et apartés qui faisaient la richesse de l’original, elle est d’une fidélité exemplaire. Le film s’attache à une poignée d’anciens « vengeurs masqués » dont la promulgation de la loi Keene a rendu les activités illégales. Certains se sont rangés, comme le Hibou, quadra binoclard ordinaire, ou Laurie, qui ne jouait à ces jeux dangereux que pour suivre les traces de sa mère Sally Jupiter, elle-même ancienne héroïne masquée. D’autres poursuivent leurs activités clandestinement, comme Rorschach, tueur psychopathe d’une effrayante lucidité. En enquêtant sur la mort de son ancien collègue le Comédien, Rorschach soupçonne l’existence d’un « tueur de masques » qui tenterait d’éliminer les anciens vengeurs masqués. Il comprend bientôt que la vérité est bien plus complexe… et bien plus effroyable.

 

L’histoire importe finalement assez peu ici, bien qu’elle soit passionnante en soi. Ce qui a rendu mythique le comics d’origine, ce sont d’une part le traitement extrêmement réaliste du thème du super-héros, appuyé par des extraits du livre de souvenirs écrit par le premier Hibou, la richesse de la construction et de la mise en scène, mais aussi l’ambiance désespérée que le film reproduit à merveille. Le contexte dans lequel s’enracine cette œuvre, parue dans les années 80, c’est celui du désenchantement, des idéaux perdus, de la mort du rêve américain. L’ombre du Vietnam, de Nixon et de la menace nucléaire y planent constamment. « Qu’est devenu le rêve américain ? » demande le Hibou en toute candeur. « Il s’est réalisé », lui lance le Comédien, cynique. Tout est dans cet échange. Les Minutemen, puis leurs successeurs les Watchmen, ont cru pouvoir changer le monde, et leurs idéaux leur ont explosé en pleine figure. Certains ont baissé les bras, d’autres ont poursuivi le combat avec des méthodes parfois douteuses. Alan Moore ne donne raison à aucun d’entre eux, mais soulève à travers leurs agissements des questions dérangeantes. « Who watches the Watchmen ? » demande un graffiti qui apparaît sur les murs tout au long de la BD, entrevu plusieurs fois dans le film – toute la problématique de l’œuvre est là. Où sont les limites lorsqu’on prétend agir pour une noble cause ?

 

 

Ce qui frappe dès les premières scènes du film, c’est un mimétisme visuel et sensoriel hallucinant. On a l’impression, littéralement, de plonger à l’intérieur des pages. Il transparaît de chaque image un profond respect et un véritable amour de l’œuvre originale. Certains plans paraissent même copiés à l’image près, sans que le résultat soit scolaire pour autant : il y a un souffle, une ambiance, une émotion, même le rythme reproduit celui de la BD. Il y a bien sûr des coupes, mais l’intrigue tient parfaitement la route ainsi, à quelques réserves près (nous y reviendrons). Le film est parsemé de clins d’œil à des éléments qui ont dû être supprimés, comme l’image quasi subliminale de cet adolescent qui lit des BD de pirates près d’un kiosque à journaux. Ou encore la citation furtive du poème de Shelley, Ozymandias. Le problème étant qu’on a parfois l’impression de voir un film fait par des fans pour les fans. Du coup, ceux-ci seront aux anges, mais le spectateur lambda risque d’être parfois perdu, là où le lecteur comblera spontanément les blancs de l’intrigue (l’absence d’explications sur la loi Keene par exemple).

 

 

À une erreur de casting près – Matthew Goode n’a pas la carrure nécessaire pour interpréter Ozymandias – les personnages ont à l’écran toute la présence qu’on pouvait espérer. Jackie Earle Haley est un Rorschach jubilatoire, véritable héros de l’histoire alors qu’il est aussi le plus fou et le plus dangereux. Le Comédien (Jeffrey Dean Morgan) est parfait de cynisme. Le couple formé par Laurie (Malin Akerman) et le Hibou (Patrick Wilson) est touchant par sa banalité même, incarnation de la naïveté la plus extrême ou lueur d’humanité dans un monde en déliquescence, selon le point de vue adopté. Billy Crudup est un Dr Manhattan effrayant et émouvant à la fois, monstre créé par accident, symbole patriotique malgré lui, quasi divinité qui observe une humanité qu’elle comprend de moins en moins. La scène de l’accident, justement, est l’une des plus intenses et des plus poignantes du film – sans qu’on sache vraiment si c’est un prodige de la mise en scène ou si le film joue sur nos souvenirs de lecture.

 

 

Seul gros reproche : une entorse assez conséquente au scénario, vers la fin, qui fait retomber le film comme un soufflé. C’était pourtant l’un des passages les plus attendus. Comme si Zack Snyder, d’un seul coup, hésitait à se colleter avec la scène la plus choquante, la plus spectaculaire, la plus inoubliable de l’original, celle qu’on avait reçue comme un coup de poing dans l’estomac. La solution adoptée tient la route en soi, mais elle perd en impact sur le spectateur – et sur les personnages. La dernière partie, du coup, retombe à plat. Dommage, car c’était quasiment un sans faute jusque là. Sans doute qu’on ne peut plus lire (et adapter) les Watchmen de la même façon depuis le 11 septembre. En l’état, Zack Snyder a déjà réalisé un bel exploit. L’impression d’immersion ressentie dès les premières images, surtout pour le fan de l’œuvre d’origine, fait de ces Watchmen une expérience à part. L’une des plus belles adaptations qu’on ait vues depuis longtemps.

 

 

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12 août 2008 2 12 /08 /août /2008 01:12

 

L’un des (nombreux) avantages que présente mon quartier, c’est la proximité de Bastille et de ses trois cinémas. J’avais des envies de ciné, The Dark Knight ne sort que mercredi, je n’arrivais pas à trancher entre deux films et j’ai donc décidé sur un coup de tête de m'accorder une double séance, ce que je n’avais pas fait depuis une éternité. Ça m’a rappelé l’époque où je squattais les Arcades de Dunkerque dès 11h du matin pendant la Fête du cinéma (il faut savoir qu’entre 16 et 20 ans, j’étais très geek, j’avais très peu d’amis et je m’emmerdais beaucoup à Dunkerque).


Meilleur film de la soirée, haut la main, la séance de 20h alias Bons baisers de Bruges dont Fabrice Colin disait récemment beaucoup de bien sur son blog. J’ai tendance à aller voir la plupart des films dans lesquels joue Ralph Fiennes, même dans des seconds rôles, et j’étais curieuse de voir ce que pouvait donner un film noir se déroulant à Bruges dont je connais surtout l’aspect touristique. Ça m’éclatait encore plus de le voir une semaine après un passage à Gand, qui lui ressemble beaucoup. Le film est une très chouette surprise. On y suit un duo de tueurs britanniques dont l’un a commis une énorme boulette et qu’on envoie se planquer en Belgique. Ils font du tourisme, des rencontres, attendent les instructions de leur patron qui tardent à venir. L’intrigue progresse par sauts constants du coq à l’âne, au point qu’on ne sait jamais à quoi s’attendre, mais le tout finit par former une histoire cohérente. Le réalisateur Martin McDonagh a le sens du détail incongru qui donne tout son sel à une scène : toutes les figures imposées du film noir sont là, mais il en prend presque toujours le contre-pied, ce qui donne des situations assez cocasses. Ça m’a un peu rappelé Quentin Tarantino et ses tueurs discutant de McDo et de Madonna, mais dans un registre différent. Et puis le trio d’acteurs est savoureux, Colin Farrell en tête. Ralph Fiennes, qui n’est jamais meilleur que quand il joue les tordus, est teigneux à souhait même si Farrell et Brendan Gleeson lui volent la vedette. Le film est très drôle de bout en bout, y compris lorsque les choses prennent une tournure plus sombre – on sait dès le départ qu’on est dans un film noir et une impression de tragédie imminente plane tout du long, mais rien ne s’y passe jamais comme prévu.

 

Bilan un peu plus mitigé pour Dorothy, même si le film est prenant. Je ne savais pas trop, en y allant, s'il relevait du fantastique ou du psychologique, et une partie de l’intérêt que j’y ai porté venait de là. Le film hésite longtemps entre les deux, et lorsqu’il tranche, c’est de manière logique mais un peu décevante – j’avais entrevu une autre explication possible qui me semblait cent fois plus glaçante. Mis à part ce détail et le fait que les personnages et situations soient parfois un peu stéréotypés, on se laisse vraiment prendre au jeu. Déjà, parce que le personnage de Dorothy – une adolescente accusée du meurtre d’un bébé et chez qui on soupçonne des troubles de la personnalité – est vraiment poignant, ne serait-ce que par l’étendue de la souffrance que lui fait porter toute une communauté. C’est là que le film frappe le plus fort. Sans compter qu’il aborde des thèmes dont je suis généralement assez cliente : la communauté qui protège ses secrets enfouis, le mystère dont la clé se trouve dans l’étude d’un cas psychiatrique, ce genre de choses. Dommage que la fin parte un peu en vrille avec des effets trop appuyés. J’ai été surprise d’apprendre que ce film tourné en Irlande et en langue anglaise était réalisé par Agnès Merlet dont je me rappelle avoir vu le premier long-métrage Le fils du requin il y a une bonne dizaine d’années.


And now, for something completely different (insérer générique du Monty Python’s Flying Circus)...
Je viens de voir que le site www.mondedulivre.com a mis en ligne une interview qui date de juin dernier et qui a la particularité d’être ma toute première interview vidéo, du moins de ce côté de la caméra. Parce que de l’autre, j’ai déjà donné une fois en cuisinant Eleni Mandell pour le Cargo et j’avais adoré l’expérience au point de vouloir recommencer, sauf que l’occasion ne s’est pas encore présentée. Pour la petite histoire, juste avant d’arriver dans les locaux de Bragelonne pour cette interview, je m’étais précipitée acheter un dictaphone pour enregistrer Amanda Palmer le lendemain – interview qui a failli être filmée, qui ne l’a finalement pas été, mais l’enchaînement des deux aurait été rigolo. Tout ça pour dire que maintenant que j’ai pris l’habitude de m’entendre parler, après avoir participé à des émissions de radio, je m’aperçois que c’est encore autre chose de se voir en images qui bougent. Ça fait quand même un peu bizarre. Pour info, le site compte également une interview de mon camarade Pierre Pevel, avec qui j’ai fait pas mal de signatures ces derniers temps.

Autre chose encore : je ne sais pas si vous avez remarqué, mais j’ai l’impression que le spam qu’on reçoit ces temps-ci, surtout quand on sent le passage au traducteur automatique, prend une tournure que je ne saurais qualifier que d’insolite et/ou de poétique. Sérieusement, des fois, c’est à la limite du haiku. Ça fait un moment que je me promets de recenser les perles et j’oublie à chaque fois. J’ai juste noté aujourd’hui les spécimens suivants, je cite : « Les problèmes avec la puissance ? Dès à présent ils vont disparaître » « Toujours plus d'ouverture et toutes les pilules » « Maintenant Le Cas! Enormes Penis! Ce Gros! » et mon préféré (authentique) : « Lumineux, Plein de Vin! La lutte, C'est en Vain! » Et encore, ce ne sont pas les meilleurs que j’aie vus. Si vous trouvez mieux, ça m’intéresse, je sens que je vais commencer une collection.


Je terminerai cette entrée assez décousue en signalant que dans la série des camarades qui désertent MySpace pour investir Over-blog, c’est au tour de mon collègue auteur et traducteur Lionel Davoust de s’y coller. Et ça se passe ici.

 

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